Intersonanzen-2026
Ensemble Aventure steht für das Abenteuer, für das Wagnis, das der Aufbruch in unbekannte Klang- und Vorstellungswelten bedeutet. Seit seiner Gründung 1986 widmet sich das Freiburger Ensemble der Kammermusik der Gegenwart auf höchstem musikalischem Niveau. Zugleich genießt die Arbeit in den Bereichen Education und Outreach in Form von Workshops mit Studierenden, Projekte mit Kindern und
Auftritten mit Laiengruppen einen hohen Stellenwert. Ein zentrales Anliegen ist es, marginalisierten Perspektiven eine Stimme zu geben – etwa durch den Einsatz für die Musik politisch verfolgter und verdrängter Komponist:innen sowie die Suche nach neuen
kompositorischen Stimmen. Mit zahlreichen Uraufführungen, internationalen Konzertauftritten, CDs sowie Projekten und Publikationen hat Ensemble Aventure das Musikschaffen der Gegenwart maßgeblich mitgeprägt.
Komponist und Klangkünstler, begann sehr früh zu improvisieren, später klassische Ausbildung (Gitarre bei Cosi Alberta, Kassel; Magister artium in Musikwissenschaft bei Georg von Dadelsen an der Universität Tübingen; Aufbaustudium Komposition bei Erhard Karkoschka und Ulrich Süße; Elektronik bei David Mason an der Musikhochschule Stuttgart). Er kam früh zur Musique concrète und zur Neuen Musik; seit 1990 arbeitet er außerdem intensiv im Bereich Soundscape Composition und Radiokunst. Wichtige Einflüsse durch persönliche Kontakte zu John Cage, Karlheinz Stockhausen sowie R. Murray Schafer.
Thomas Gerwin war Gründungsmitglied und 1998-2002 im ersten Vorstand des World Forum for Acoustic Ecology WFAE, Gründer und künstlerischer Leiter des jährlichen „Internationalen Klangkunstfests Berlin“ (2004-2018), mehrerer Ensembles sowie der Konzertreihe „Klangwelten ad hoc“. 2006-2010 war er Vorsitzender der Berliner Gesellschaft für Neue Musik (bgnm), 2017-2023 Vorsitzender des „Brandenburgischen Vereins Neue Musik“ (BVNM ) sowie künstlerischer Leiter des jährlichen Festivals „intersonanzen“. Seine 2020 gegründete Konzertreihe „re-sonanz“ als Kooperation des BVNM mit dem KunstHaus Potsdam kuratiert er weiterhin.
Er wurde mit diversen nationalen und internationalen Preisen und Stipendien ausgezeichnet, viele seiner (bis- lang ca. 250) Werke wurden weltweit aufgeführt und/oder gesendet. Seine Noten erscheinen bei Ricordi und dem Verlag Neue Musik.
Immer auf der Suche nach Neuland komponiert er in seinem Berliner Studio instrumentale und elektroakustische Werke für Konzert und Performance und kreiert Klanginstallationen, Environments sowie teils interaktive Klang-Objekte.
Als Ausdrucksmittel seiner »situativen« raumkünstlerischen Arbeiten bezieht er neben Musiker*innen im Raum oft (Live-)Elektronik, Theater, Tanz, Film, Licht und Skulptur mit ein und experimentiert mit neuen Präsentations- und Rezeptionsformen und Konzertformaten. In seiner »multisensorialen Kunst« entwickelt und untersucht er einen ganzheitlichen Ansatz des Hörens unter Einbeziehung aller Sinne.
Um die multiplen Spielarten zeitgenössischen Musikschaffens einzubeziehen und die traditionell unter den Darstellenden Künsten eingeordnete Kunstform Musik autark auf Augenhöhe mit den anderen Künsten zu stellen, schlägt er den Oberbegriff »Klingende Kunst« vor. Dabei ist für ihn bei jedem kompositorischen Gestalten immer ein besonderer Respekt vor dem Klang selbst essentiell.
»Klänge sind Lebewesen. Sie werden geboren, verbringen eine gewisse Zeit an bestimmten Orten und sterben dann. Liebend gern bilden sie soziale Organismen.«
Thomas Gerwin
BiPol XI – Klangpanorama (2026)
für Flöte, Klarinette, Fagott, Violine/Viola und Violoncello
Diese dem Ensemble Aventure gewidmete Komposition exploriert in 3 Sätzen mit Coda den jeweiligen Raum der Aufführung, zunächst durch eine unorthodoxe, breite Aufstellung des Quintetts wie eine filmische Großleinwand vor dem Publikum. Im letzten Satz und in der Coda agieren die Musiker*innen auch um das Publikum herum sowie am Schluss unsichtbar in Vor- und Nebenräumen. Dabei bewegen sich nicht nur die Musiker*innen, sondern auch die musikalischen Materialien, bipolar miteinander verflochten, in einem steten Spannungsfeld zwischen extremen ästhetischen Gegensätzen.
Eine überbordende Klangphantasie ist die Grundlage der Musik von Milica Djordjević (*1984). Als Komponistin verfügt sie souverän über das ganze Arsenal zeitgenössischer Klang- und Spieltechniken und ist in der Lage, die von einem einsamen Cello erzeugten Klänge mittels Live-Elektronik in ein akustisches Gewitter von schier existenziellen Dimensionen zu transformieren, umgekehrt zwölf Schlagzeuger sich in das Übergangsfeld vom Unhörbaren zum Schattenhaften versenken zu lassen oder in Ensemble- und Orchesterkompositionen statische Klangflächen sacht zu verflüssigen und in träge und zäh dahinrinnende Strömungen zu verwandeln. In ihrer Musik kann der Hörer nie vor Überraschungen sicher sein. Fast programmatisch mutet es da an, dass sie ein großes Orchesterwerk aus dem Jahr 2016 Quicksilver genannt hat, denn ihrem ganzen Komponieren eignet etwas Quecksilbriges, das sich der eindeutigen Festlegung entzieht. Dabei ist dieses Schaffen von einer unbedingten künstlerischen Ernsthaftigkeit und Aufrichtigkeit getragen, die sich ihrer Hörerschaft unmittelbar mitteilt.
Sie ist eine Virtuosin der Orchesterkräfte mit überbordender Klangfantasie... So geht Orchestermusik heute. Ecki Ramón Weber, 11. September 2024 concerti
Milica Djordjević begann ihre Kompositionsstudien in Belgrad, wo sie sich auch schon mit elektronischer Musik beschäftigte, ging danach nach Strasbourg und ans Pariser IRCAM, bevor sie schließlich von 2011 bis 2013 ihr postgraduales Studium in Berlin bei Hanspeter Kyburz an der Hochschule für Musik Hanns Eisler abschloss.
Ihr bereits umfangreiches Schaffen umfasst Werke für Soloinstrumente, Kammermusikwerke in verschiedenen Besetzungen vom instrumentalen Duo bis zum Doppelquartett, Vokalwerke und groß besetzte Orchesterkompositionen. In seiner Vielfalt unterstreicht es die Versatilität und handwerkliche Virtuosität der Komponistin.
Milica Djordjević arbeitete mit führenden Interpret*innen und Klangkörpern unserer Zeit, darunter Berliner Philharmoniker, Gustavo Dudamel, Symphonieorchester und Chor des Bayerischen Rundfunks, Symphonieorchester des WDR, Symphonieorchester des SWR, Arditti Quartet, Münchener Kammerorchester, Ensemble Musikfabrik, ensemble modern, Ensemble Recherche, J.A.C.K. Quartet, Ilan Volkov, Marco Blaauw, Carl Rosman, Peter Rundel, Teodoro Anzellotti, Tamara Stefanovich, Enno Poppe, Bas Wiegers, Pierre-Laurent Aimard...
Für ihre Werke hat Milica Djordjević zahlreiche hochrangige Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter auch den Claudio Abbado Komponistenpreis der Berliner Philharmoniker (2020), den Komponistenpreis der Ernst von Siemens-Musikstiftung (2016), den Belmont-Preis für zeitgenössische Musik (2015)… Ihre monografische CDs erhielten den Preis der deutschen Schallplattenkritik 2017 und 2024.
Sie ist Professorin für Komposition an der Musikhochschule Lübeck.
https://www.milicadjordjevic.com/
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Das Wort „Pomen“ kann sowohl als Erwähnung als auch als Gedenken übersetzt werden, steht jedoch zugleich für eine sehr alte serbische Tradition im Zusammenhang mit dem Tod. Dabei werden verschiedene Rituale vollzogen und traditionelle Lieder für die Verstorbenen gesungen – auf eine ganz besondere Weise: äußerst ausdrucksstark und kraftvoll, jedoch ohne Pathos. Manche betrauern ihre Liebsten, manche feiern sie, manche tun beides; einige bringen Speisen und Getränke mit, andere singen …
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Ralf Hoyer, geboren am 13.04.1950 in Berlin, studier- te an der Hochschule für Musik »Hanns Eisler« Berlin Tonmeister und war nach seinem Diplom 1975 mehrere Jahre als Tonregisseur im VEB Deutsche Schall- platten tätig. Daneben begann er zu komponieren. Von 1977–1980 war Ralf Hoyer Meisterschüler für Komposition an der Akademie der Künste der DDR bei Ruth Zechlin und Georg Katzer. Seitdem arbeitet er freischaffend. Er erhielt verschiedene Preise, Stipendien und Arbeitsaufenthalte, darunter das Rom-Stipendium der Bundesregierung für die Casa Baldi / Olevano Romano 2015. Es entstanden zahlreiche Kompositionen für unterschiedlichste Besetzungen, für Hörspiel und Theater, gelegentlich auch für den Film. Seine »Allgemeine Erwartung – Aktion für zwei Klaviere und eine Schauspieler« zu einem Text von Volker Braun, 1982 im Berliner Ensemble uraufgeführt, machten ihn erstmals einem breiteren Publikum bekannt.
Die Kammermusik für Kinder »Das musikalische Nashorn« nach Peter Hacks war 1987 das meistgespielten Stück in den Opernhäusern der DDR. Die Opera grotesque »¡Ay, Don Perlimplín!« nach Federico Garcia Lorca hatte 1987 am Berliner Maxim-Gorki-Theater Premiere und erhielt den Kritikerpreis der Berliner Zeitung. Ein Ballett für die Komische Oper Berlin gelangte im November 1989 nicht mehr zur Aufführung. In den 1990er Jahren galt sein Interesse vorrangig der Erweiterung üblicher Konzert- und Musiktheaterformen, oft in Co-Autorenschaft mit Susanne Stelzenbach. So entstanden in dieser Zeit mehrere Arbeiten für das Hebbeltheater Berlin, für das Acarte-Festival Lissabon, für den Hamburger Bahnhof zur Musikbiennale 1999, die Kulturbrauerei Berlin, später für das Konzerthaus Berlin und die Musikakademie Rheinsberg.
In seinen elektroakustischen Arbeiten verfolgt Ralf Hoyer einen eigenen Weg, der sich durch die studiotechnische Verarbeitung von Instrumentalklängen oder auch eine unkonventionelle Art der Tonerzeugung auszeichnet. Das Interesse an den akustischen Gegebenheiten in großen Räumen führte zu mehreren Kompositionen für die Orgel des Halberstädter Doms und der St.-Matthäus-Kirche Berlin. Das umfangreich besetzte Oratorium zu Luther »wachet recht auff« zu einem Libretto von Kerstin Hensel wurde 2017 erfolgreich in Halberstadt, Brandenburg/H. und Bayreuth aufgeführt.
Seit der Wende 1989 engagiert sich Ralf Hoyer auch kulturpolitisch. So war er 1991 Gründungsvorsitzender der Initiative Neue Musik Berlin und mehrmals Vorstand der Berliner Gesellschaft für Neue Musik und im Berliner Komponistenverband (DKV). Gegenwärtig ist er auch als Geschäftsführender Kurator der GEMA-Sozialkasse aktiv.
Das weit gefächerte Oevre umfaßt inzwischen nahezu 250 Werke und verzeichnet Aufführungen in vielen europäischen Ländern, den USA und zu den Weltmusik- tagen 2006 in Stuttgart. Als künstlerisches Credo könnte der Satz gelten: »die Landschaft der Musik ist weit und bunt, mit vielen seltsamen Gewächsen, und jedes darf blühen…«
TrioTrio ist eine 3-stimmige Komposition für unterschiedliche Besetzungen, die den Interpreten ein großes Maß an improvisatorischen Freiheiten lässt - gleichzeitig aber auch deren Ausgestaltung fordert.
Es gibt keine Partitur. Jeder Instrumentalist spielt aus einer Einzelstimme und möge diese als einen Solo-Part betrachten. Gleichwohl bleibt das aufeinander Hören eine unverzichtbare Grundlage für eine gelungene Aufführung des Werkes.
Die Koordination der Spieler erfolgt mithilfe von drei gleichzeitig gestarteten Stoppuhren entsprechend den Zeitangaben in den Noten.
Die drei weitgehend gleichen Stimmen setzen kanonisch ein, laufen in der Mitte zusammen und gehen zum Ende wieder auseinander.
Aus dem vorgegebenen Tonmaterial und den verbalen Spielanweisungen ist jede Stimme individuell zu erarbeiten.
Der Tonvorrat ist zu Beginn eines jeden Abschnittes in einer Box vorgegeben. Es sollen ausschließlich diese Töne verwendet werden, keine Oktavierungen. Die Dauer des jeweiligen Abschnittes ist durch eine Wellenlinie gekennzeichnet.
Sind für einen längeren Abschnitt nur wenige Töne gegeben, kann in beliebiger Reihenfolge wiederholt werden. Falls mehr Töne in der Box stehen, als in dem folgenden Abschnitt unterzubringen sind, soll eine beliebige Auswahl erfolgen.
Über die gegebenen Artikulationshinweise hinaus mag jeder Instrumentalist auch instrumentenspezifische Spielweisen einbringen.
Es gibt drei Tonbereiche: hoch/mittel/tief. Vor Beginn der Aufführung sind zwei Entscheidungen zu treffen:
- welches Instrument übernimmt welchen Tonbereich?
- welches Instrument setzt als erstes, als zweites, als drittes ein?
Aus diesen Kombinationen ergeben sich immer neue Spielvarianten. Das Ende ist offen.
Auftrag von musica aperta Winterthur mit Unterstützung der Fondation Nicati - de Luze
SchließenAnn Cleare ist eine Künstlerin, die in den Bereichen Konzertmusik, Oper, Installation und ortsspezifische Arbeiten tätig ist. Beschrieben als „eine gänzlich andere Kunstform“, die aus musikalischen Traditionen schöpft – sich jedoch zugleich gegen diese stemmt und über sie hinausweist, um etwas auszudrücken, das einerseits vom Klang handelt, andererseits aber gleichermaßen Energie, Bewegung, Raum und die Welt selbst in den Blick nimmt –, erkundet ihr Werk die skulpturale und expressive Natur des Klangs und erweitert dabei die Möglichkeiten von Klangfarbe, Textur und Form. Oftmals die Poetik von Ort, Zeit, Kommunikation und Transformation erforschend, zielt Cleares Schaffen darauf ab, Ideen durch Klang zu beleben und das Publikum sowohl in die Wildheit als auch in die Intimität des klanglichen Ausdrucks eintauchen zu lassen.
Von der Berliner Philharmonie über die Walt Disney Hall und das Lincoln Center bis hin zur Wigmore Hall und der HARPA wurde Ann Cleares Werk von internationalen Rundfunkanstalten – darunter BBC, NPR, ORF, RTÉ, SWR, WDR – in Auftrag gegeben und präsentiert; zudem war es auf Festivals wie New Music Dublin, der Gaudeamus Week, den Wittener Tagen für Neue Kammermusik, beim Internationalen Musikinstitut Darmstadt, dem MATA Festival, dem Sound Reasons Festival in Indien, der Shanghai New Music Week, dem Totally Huge New Music Festival in Perth, bei „Rainy Days“, dem Huddersfield Contemporary Music Festival und dem Musikfest Berlin zu hören. Durch die Zusammenarbeit mit einigen der progressivsten Musiker unserer Zeit hat sie sich einen Ruf für die Schaffung innovativer musikalischer Formen erworben – sowohl in der Art ihrer Präsentation als auch in der Musik selbst. Sie arbeitete mit Ensembles wie dem International Contemporary Ensemble, dem Crash Ensemble, der Musikfabrik, ELISION, dem National Symphony Orchestra of Ireland, dem JACK Quartet, dem Ensemble Nikel, den Curious Chamber Players, Yarn/Wire, dem ensemble mosaik, dem BBC Scottish Symphony Orchestra, dem ensemble recherche, TAK, dem Ensemble Garage, dem Argento Chamber Ensemble, dem Riot Ensemble, Ekmeles, dem Ensemblekollektiv, line upon line und dem Bozzini Quartet zusammen; hinzu kommen Solisten wie Carol McGonnell, Richard Craig, Patrick Stadler, Ryan Muncy, Claire Chase, Richard Haynes, William Lang, Lina Andonovska, Michelle O’Rourke, Samuel Stoll und Callum G’Froerer.
Jüngere Arbeiten konzentrieren sich auf die Schaffung immersiver Erlebnisräume, in denen dem Klang neben seiner akustischen auch eine visuelle Dimension verliehen wird. Inspiriert von historisch bedeutsamen Orten in den irischen Midlands, zielt das Werk *MIDHE* darauf ab, das Feuer der verschwundenen mittleren Provinz Irlands durch den Klang und die Bewegung von über 200 Mitwirkenden neu zu entfachen; *TERRARIUM* kartografiert die geologischen Schichten ...der Moorlandschaften in ein immersives Terrarium aus Klang und Licht, dargeboten von zehn Musiker*innen und „Erdteppichen“; NOCTURNE, das sich über Innen- und Außenräume von Orten erstreckt, die den Nachthimmel würdigen und schützen, verwebt Ort, Klang und Publikumsbeteiligung, um die Art und Weise zu erkunden, wie der Mensch im Laufe der Geschichte den Kosmos imaginiert hat. Little Lives, eine 90-minütige Oper für fünf Sänger*innen und Ensemble, untersucht die Themen Informationskriege sowie die progressiven und regressiven Rollen nationaler Identität. Meridians – ein einstündiges, raumbezogenes Werk für Streichquartett mit Soloklarinette und Solosaxophonen – begreift Musik als eine Maschine zur Messung von Leuchtkraft, Energie, Zeit und Erinnerung, wobei sich Klangvektoren um das Publikum entfalten; vergleichbar mit einer Sonnenuhr und einem Nachtuhr-Instrument, die in den sich wandelnden Welten von Tag und Nacht am Werk sind.
Zu ihren aktuellen und zukünftigen Projekten zählen ein Werk für Streichorchester für das Ensemble Resonanz, das 2026 bei den Donaueschinger Musiktagen uraufgeführt wird; ein neues immersives Werk für das Ensemble TAK, das im Frühjahr 2027 in New York Premiere feiert; neue Kammermusikwerke für das Riot Ensemble und Stone Drawn Circles; sowie ein Extended-Reality-Werk, das in Zusammenarbeit mit der Multimedia-Künstlerin Fionnuala Conway entsteht.
Ann studierte am University College Cork sowie am IRCAM und promovierte an der Harvard University. Im Oktober 2019 wurde ihr für ihre Verdienste um die Musik die Ehrendoktorwürde der National University of Ireland verliehen. Ihre Partituren erscheinen im Verlag Project Schott New York. Sie ist Assistenzprofessorin für Musik und Medientechnologien am Trinity College Dublin und zählt zu den ersten 40 Mitgliedern des Netzwerks der Young Academy of Ireland.
Schließeneyam iii (if it's living somewhere outside of you)
“One day, you’re there. And then, all of a sudden, there’s less of you. And you wonder where that part went? If it’s living somewhere outside of you? And you keep thinking… maybe you’ll get it back? And then you realize: it’s just gone.”
From AMC’s Television Series Mad Men, Meditations in an Emergency [2.13]
„Eines Tages bist du da. Und dann, ganz plötzlich, ist weniger von dir da. Und du fragst dich: Wohin ist dieser Teil verschwunden? Ob er irgendwo außerhalb von dir weiterlebt? Und du denkst immer wieder … vielleicht bekommst du ihn zurück? Und dann erkennst du: Er ist einfach fort.“
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(1. Februar 1963 – 27. Juni 2004)
„Im Zentrum meines kompositorischen Schaffens steht die Idee, den Klang als ein Material zu begreifen, in das man eintaucht, um dessen physikalische und perzeptive Eigenschaften zu formen: Körnung, Dichte, Porosität, Leuchtkraft, Kompaktheit und Elastizität. Es handelt sich folglich um Klangskulptur, instrumentale Synthese, Anamorphose, Transformation der spektralen Morphologie sowie um ein ständiges Abgleiten hin zu unhaltbaren Dichten, Verzerrungen und Interferenzen – nicht zuletzt dank der Unterstützung durch elektroakustische Technologien. Dabei gewinnen Klangfarben nicht-akademischer Herkunft zunehmend an Bedeutung, ebenso wie der ‚verunreinigte‘, gewaltsame Klang vorwiegend metallischen Ursprungs, wie er in bestimmten Spielarten der Rock- und Technomusik anzutreffen ist.“
Fausto Romitelli wurde am 1. Februar 1963 in Gorizia geboren; er absolvierte sein Kompositionsstudium am Conservatorio „Giuseppe Verdi“ in Mailand und nahm anschließend an Meisterkursen an der Accademia Chigiana in Siena sowie an der Scuola Civica in Mailand teil. Im Jahr 1991 zog er nach Paris, um am „Cursus d’Informatique Musicale“ des IRCAM neue Technologien zu studieren; mit dieser Institution arbeitete er zudem von 1993 bis 1995 als „compositeur en recherche“ zusammen. Wenngleich sein Interesse den bedeutendsten Strömungen der europäischen Musikszene galt – insbesondere György Ligeti und Giacinto Scelsi –, bezog er seine wichtigste Inspiration aus der französischen Spektralmusik, namentlich von Hugues Dufourt und Gérard Grisey; Letzterem widmete er das zweite Stück seines Zyklus *Domeniche alla periferia dell’Impero* (1995–96, 2000). In *EnTrance* (1995–96) widmet sich seine Kompositionsweise der Erforschung der menschlichen Stimme, wobei er ein Mantra aus dem *Tibetischen Totenbuch* verwendet: Die daraus resultierende Musik wirkt äußerst kompakt und entfaltet einen hypnotischen, rituellen Fluss, in dem der Klang – verstanden als „zu formendes Material“ – eine Symbiose eingeht mit der Affinität zur Technologie und der Suche nach neuen akustischen Horizonten.
Romitelli betrieb seine persönlichen Forschungen auch jenseits der akademischen Avantgarde; dementsprechend birgt seine Musik einen expressiven Gehalt von großer Ausdruckskraft sowie eine gewaltsame klangliche Wucht, die von beachtlicher formaler Komplexität zeugt. Diese Qualitäten manifestieren sich in einer seiner bedeutendsten Kompositionen: der Trilogie *Professor Bad Trip* (1998–2000), die auf der Lektüre jener Werke Henri Michaux’ basiert, die dieser unter dem Einfluss halluzinogener Drogen verfasste. In diesem Werk verband Romitelli – neben seiner Vorliebe für das Deformierte und das Künstliche – die klanglichen Erkundungen der Rockmusik mit einer elektroakustischen Bearbeitung von Klängen und instrumentalen Gesten. Ähnlich wie in *Blood on the Floor, Painting 1986* (2000) – das den gewaltsamen und destruktiven Aspekt der Projektion von Realität auf Fiktion betont – ist auch die Trilogie offen von den Arbeiten Francis Bacons inspiriert, insbesondere von dessen Serie *Three Studies for Self-Portrait*. Mit *Flowing Down Too Slow* (2001) – einem Auftragswerk von Art Zoyd und Musiques Nouvelles – erweiterte sich das kompositorische Spektrum von Romitellis Tonsprache um klangliche Anregungen, die er den Erfahrungen von Künstlern wie Aphex Twin, DJ Spooky und Scanner entlehnte; dabei blieb jedoch stets der hypnotische und rituelle Aspekt dominant, gepaart mit seiner Vorliebe für das Ungleichartige und das Künstliche. Sein Interesse an den sozialen und künstlerischen Facetten der Gegenwartswelt – und hier insbesondere an den Mitteln und Prozessen der Massenkommunikation – mündete schließlich in Werken wie *Dead City Radio. Audiodrome* (2003), dessen Wesen sich in dem Titel des Buches des kanadischen Soziologen Marshall McLuhan verdichtet: *The Medium is the Message*. „Die Wahrnehmung der Welt wird durch die Übertragungskanäle geformt: Was wir sehen und hören, wird nicht bloß reproduziert, sondern von einem elektronischen Medium verarbeitet und neu erschaffen – einem Medium, das sich über die reale Erfahrung legt und diese ersetzt“ (Romitelli). *Dead City Radio* interpretiert die albtraumhafte Beziehung zwischen Wahrnehmung und Technologie und reflektiert dabei die Techniken der Produktion und Reproduktion elektronischer Kanäle.
In seinem letzten Werk, *An Index of Metals* (2003), fanden jene musikalischen Experimente und literarischen Anregungen – die seinen real-surrealen Ansatz der kompositorischen Arbeit stets begleitet hatten – ihre Vollendung in einer grandiosen, abstrakten Erzählung. Basierend auf dem „Wunsch, ein umfassendes Wahrnehmungserlebnis zu schaffen, das den musikalischen Aspekt mit seinem visuellen Pendant vereint, um den Betrachter in eine glühende, umhüllende Materie eintauchen zu lassen“, konzipierte Romitelli dieses Werk als „eine initiatische Feier der Metamorphose und Verschmelzung der Materie – eine Lichtinszenierung, in der eine Ausweitung der Selbstwahrnehmung über die physischen Grenzen des Körpers hinaus mittels Techniken der Übertragung und Verschmelzung in eine fremde Materie provoziert wird. Es ist ein Weg hin zu wahrnehmungsmäßiger Sättigung und Hypnose, ein Weg der totalen Veränderung der gewohnten sensorischen Parameter.“
Nach einer Reihe von Erfolgen bei verschiedenen internationalen Wettbewerben – in Amsterdam, Frankfurt, Graz, Mailand, Stockholm und Siena (erster Preis beim Casella-Wettbewerb 1989) – wurde Romitellis Musik regelmäßig an den bedeutendsten internationalen Konzertorten aufgeführt. Bei Festivals, die vom Festival Musica in Straßburg, dem Festival Présences von Radio France und dem Ars Musica in Brüssel bis hin zu den „Saisons“ des Ircam-Intercontemporain, der Biennale von Venedig und dem Festival Milano Musica reichten, wurden seine Werke von Ensembles und Orchestern interpretiert, darunter Ictus, L’Itinéraire, Court-Circuit, Intercontemporain, Musiques Nouvelles, das ensemble recherche, Alter Ego, das RAI National Symphony Orchestra und das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin; dabei entstanden Auftragswerke für Institutionen wie das französische Kulturministerium (*Acid Dreams & Spanish Queens* und *Professor Bad Trip: Lesson II*), Musiques Nouvelles (*Professor Bad Trip: Lesson I*), Ictus (*Professor Bad Trip: Lesson III*), La Musique et les Arts (*Mediterraneo*), Radio France (*Cupio Dissolvi*), das Ircam (*EnTrance*), die Gulbenkian-Stiftung (*The Nameless City*), Milano Musica (*The Poppy in the Cloud*), L’Itinéraire (*Blood on the Floor, Painting 1986*) und die Fondation Royaumont (*Lost* sowie *An Index of Metals*).
Fausto Romitelli starb nach schwerer Krankheit am 27. Juni 2004 im Alter von 41 Jahren in Mailand.
(Roberta Milanaccio, Verlag Riccordi)
SchließenDomeniche alla periferia dell’impero, Seconda domenica – Hommage à Gérard Grisey (2000) von Fausto Romitelli für Flöte, Klarinette, Violine und Violoncello ist eine Hommage an den französischen Komponisten Gérard Grisey. Das Werk entfaltet einen dichten, energetischen Klangraum aus wiederkehrenden, ständig variierten Gesten und Klangfiguren. Charakteristisch ist die Erweiterung des Instrumentariums durch einfache Klangobjekte wie ein Gitarren-Stimmgerät (Pitch Pipe), Kazoo und Mundharmonika. Der Titel verweist auf Romitellis Interesse an randständigen, „rohen“ Klangfarben – jenseits des musikalischen Zentrums, jedoch mit großer kompositorischer Präzision gestaltet. (Luigi Manfrin)
SchließenSeyedi studierte von 2000 bis 2005 das Fach Informatik an der Azad-Universität ihrer Heimatstadt. Von 2007 bis 2014 studierte sie an der Hochschule für Künste Bremen bei Younghi Pagh-Paan, Jörg Birkenkötter und Kilian Schwoon Komposition. Bei Günter Steinke schloss sich von 2014 bis 2017 ein Masterstudium an der Folkwang Universität der Künste Essen an. Zudem studierte sie bei Caspar Johannes Walter an der Musik-Akademie Basel und bei Michael Reudenbach an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main
In Seyedis Schaffen finden sich Einflüsse von Literatur, Architektur oder bildender Kunst sowie von ihrem Informatikstudium. Zahlreiche ihrer Werke entstanden aus spartenübergreifenden Kooperationen. Aus der Zusammenarbeit mit der Lyrikerin Anja Kampmann ging ihr 2023 bei den Donaueschinger Musiktagen uraufgeführtes Stück „Dunst – als käme alles zurück“ für 2 Stimmen und Ensemble hervor. Seyedi sucht mit ihrer Musik „Verbindungen zu verschiedenen Kunstformen, zur Philosophie und zur Kultur ihrer Heimat Iran“. Zu dem Projekt“ Pythagorean Triple“ (2020), einer „mathematisch-akusmatischen Spurensuche“, aufgeführt in der Alten Feuerwache Köln, trug sie das Stück „2910“ (2019) für Harfe, Kontrabass und Schlagzeug bei. Das Thema „Hören mit Helmholtz“, ein interdisziplinäres Seminarprojekt zu Helmholtz’ Musikästhetik, durchgeführt von den Heidelberger Seminaren für Philosophie (Philipp Brüllmann) und für Musikwissenschaft (Christiane Wiesenfeldt, ist der Kontext, in dem ihr Werk „witnessing… – aushalten“ (2024) entstand. Für die „Jugend komponiert“ arbeitete sie 2024 in einer Kompositionswerkstatt als Dozentin mit. Mehrfach kooperierte sie mit dem iranischen Komponisten Ehsan Khatibi. Der Einsatz von Licht als kompositorischem Mittel prägte bereits ihre 2020 für das Nationaltheater Mannheim entstandene Kollektivkomposition zu Albert Camus‘ „Der Fremde“ und er wurde auch ein wesentlicher Faktor für „PS: and the trees will ask the wind“ (2020) für Paetzoldflöte, Violine, Objekte, Audio- und Videozuspielung, das in einer überarbeiteten Version von 2023 eine Bassflöte anstatt der Paetzoldflöte vorsieht. Zu der Bespielung des Deutschen Pavillons auf der Biennale di Venezia 2019 durch die Installationskünstlerin Natascha Sadr Haghighian steuerte Seyedi die elektronische Klanginstallation „awakening“ bei. Seyedi arbeitete an Sound Moving Sources mit, einem zweijährigen Projekt zur künstlerischen Forschung am Institut für Computermusik und Soundtechnologie der Zürcher Hochschule der Künste (2021–2022). Untersucht wurden dabei „die Möglichkeiten, wie ein Lautsprecher sich im Raum bewegen kann, um im Zusammenspiel mit Musikern variable Klangräume zu etablieren.“
Seyedi erhielt zahlreiche Stipendien, darunter der Friedrich-Ebert-Stiftung (2011–2017) und des DAAD (2016). 2017 gewann sie den Kompositionswettbewerb Phoenix Trabant in Basel und erhielt das Bernd-Alois-Zimmermann-Stipendium der Stadt Köln. 2018/19 war sie Stipendiatin der Internationalen Ensemble Modern Akademie (IEMA) in Frankfurt.
Ihre Werke wurden bei zahlreichen internationalen Festivals und Konzertreihen für Neue Musik aufgeführt, darunter Wittener Tage für Neue Kammermusik, Ultraschall Berlin, Gaudeamus Muziekweek, Impuls Graz und das Huddersfield Contemporary Music Festival.
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a sun of one’s own – Epilogue (2020) für Fagott und Violoncello von Elnaz Seyedi bezieht sich auf Friedrich Nietzsches Aphorismus aus Die fröhliche Wissenschaft: „Ich will für mich eine eigene Sonne schaffen.“ Auch Edvard Munchs von Nietzsche inspiriertes Gemälde Die Sonne (1911) bildet einen gedanklichen Hintergrund. Entgegen der Erwartung eines strahlenden Klangbildes entfaltet das Stück jedoch eine eher dunkle, kontemplative Klangwelt. Fagott und Violoncello bewegen sich vorwiegend in tiefen Registern und bilden ein ruhiges, kontinuierliches Klangfeld. Feinste Veränderungen von Klangfarbe, Dichte und Artikulation strukturieren den musikalischen Verlauf. Aus zunächst nahezu statischen Klangflächen entstehen allmählich Verdichtungen und gesteigerte Energien, die sich in tremolierenden Klangballungen bündeln, bevor der Klang wieder in fragile, geräuschhafte Sphären übergeht. (Dirk Wieschollek)
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1963 in Meinerzhagen (Sauerland) geboren, machte er seine ersten musikalischen Erfahrungen als Kontrabassist in Gospel- und Jazzbands. Nach dem Abitur schloss sich ein Studium der Philosophie an. Während eines 6-jährigen Amsterdam-Aufenthaltes studierte er Komposition an der Hoge School voor de Kunsten Utrecht bei Henk Alkema und erhielt 1993 sein Kompositionsdiplom. Er besuchte Meisterkurse für Komposition u.a. bei: Prof. G. Stäbler, Prof. M. Spahlinger, Prof. P.-H. Dittrich, H.J. Hespos.Er hat u.a. mit Garth Knox, Michael Riessler, Krassimir Sterev, Christiane Edinger, Björn Lehmann sowie dem Sonar Quartett, Minguett Quartett, dem Hezarfen Ensemble Istanbul, dem Spanischen Nationalorchester und den Brandenburger Symphonikern zusammengearbeitet. Lienenkämper ist auf vielen internationalen Kulturfestivals vertreten, u.a. beim Festival de Música de Alicante, den Weimarer Frühjahrstagen für zeitgenössische Musik und den Intersonanzen Potsdam. Für seine Werke erhielt er u.a. den 1. Preis beim Kompositionswettbewerb des Spanischen Nationalorchesters Auditorio Nacional de Musica 2010 und den 1. Preis beim Gustav Mahler Kompositionswettbewerb der Stadt Klagenfurt 2003 und 2009. Stefan Lienenkämper war 2016 und 2018 insgesamt 5 Monate Stipendiat der Kulturakademie Tarabya in Istanbul.
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click! goes the kaleidoscope (2026) UA
für Viola, Violoncello, Fagott, Klarinette, Flöte
Das Quintett geht aus der Komposition nothing wrong with thoughts für zwei Violoncellim(2025) hervor. In acht ohne Pause ineinander übergehenden Abschnitten erscheinen fünf Konstellationen. Der erste und der fünfte, der dritte und der achte sowie der vierte und der sechste Abschnitt sind jeweils aufeinander bezogen; der zweite und der siebte stehen für sich. Die Abschnitte tragen die Überschriften: sprechend / naturhaft und rau / schwebend / näher / betrachtend / ruhig / intensiv / zart und entfernt.
Nicht der Klick selbst, sondern die veränderte Perspektive nach dem Klick des Kaleidoskops interessiert mich an dieser Metapher. Mit jeder Drehung verändert sich das Bild; Brechungen verschieben sich, Formen finden neue Achsen.
Die fünf Instrumente bilden ein Geflecht aus Linien, Reibungen und Resonanzen. Punktuelle, flüchtige Klangbewegungen treten hervor und ziehen sich sogleich wieder in die Textur zurück.
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